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【四月展讯】上海的小伙伴走起!

发布日期:2020-10-05 09:40

  “KAWS:始于终点”于2017年3月28日登陆余德耀美术馆。著名美国布鲁克林艺术家KAWS(生于1974年)因其原创艺术形象和先锋艺术实践,以及关于诸多经典卡通形象、时尚明星、流行潮牌的跨界创作而为人所知。他在长达20年间自由行走在当代艺术和街头流行文化之间,并在全球消费世界和艺术市场引发狂热关注,这令他成为当代独树一帜的现象级艺术家。“KAWS:始于终点”不仅是他近期在世界范围内最重要的研究性巡展,也是他在亚洲首个大规模的阶段性回顾展。展览将涵盖艺术家创作至今的油画、雕塑、素描、玩具以及街头艺术等多种艺术作品,深度剖析艺术家近二十年来多元的艺术创作。本次展览由余德耀美术馆与美国沃斯堡现代美术馆联合呈现。

  “周力:白影”个人作品展是艺术家自2001年在中国美术馆的个展之后,经历十多年的思考、寻找与调整,重新出发,在国内举办的第一个大型美术馆个展。作为跨媒介艺术家,周力在本次展览近1000平米的矩形主展厅中,将以她近两年创作的抽象绘画作为展示的核心部分,与环境中的声音一起,构成由内心而生的空间场域。

  詹妮佛·韦斯特是一位在洛杉矶生活和工作的美国艺术家。她以用手工制作的赛璐珞胶片来创作数字电影而出名,韦斯特制作胶片的乳剂会掺合不同的原料诸如香水、威士忌、胡椒喷雾或滑板上的沥青。自2004年开始,詹妮弗用此类方法制作电影,已经完成了超过70部作品。

  本次展览与米开朗基罗故居博物馆携手,为国内首度中、意跨世界文化合作,完整呈现米开朗基罗七十余年波澜壮阔的艺术生涯。重点展品包括原模以原作1比1复制的《大卫像》、《圣殇》首度在国内现身,并邀请到意大利硕果仅存的湿壁画大师Antonio De Vito现场创作,再现巨幅湿壁画《利比亚女先知 Lybian Sybil》,以及米开朗基罗和达文西两位不世出天才在艺术史上的世纪竞图大赛《安吉里亚之役》、《卡西纳之役》。

  八个煤斗述说着几十年能源与科技时代的变迁。如今成为新媒体艺术实验室的这个构造奇特的空间,也仿佛一个巨大的动力装置承载着这个重生的建筑。第一次尝试,以数字记录方式从采集钢筋水泥表面上完整保留下来的图样开始,试着挖掘出时间描绘的点点痕迹,再现积蓄其中未可见的能量。作品以新视角的影像及灯光,融入胁原大辅和小笠原宽夫的交互程序及声音艺术,重新塑造这个空间。光影音的呼吸让观众审视时间轴与空间轴的交错,感受每个瞬间历史与当代的交替。

  「亚洲当代风景」是艺仓美术馆为期一年的策展计划,旨在从文化和血脉上有多种渊源的邻近亚洲国家出发,透过不同命题的思考、挖掘,同时并置于21世纪「混杂」的全球化语境下,互文交叠呈现出更多元的视野,以期引发跨世代、超越国界与文化框景的对话与共鸣,若干程度形成亚洲当代思考主体。

  拥有“世界级恐怖大师”称号的伊藤润二本人在大中华区首次正式授权的「伊藤润二经典美学AR体验展」走进了魔都。看「伊藤润二经典美学AR体验展」,早已经成为一个几乎全球文艺青年及恐怖漫画发烧友间的交流话题,人性的压抑情感,透过伊藤润二的漫画作品,能够在看展时找到共鸣的出口。

  此次展览以影片《天气大战》为线索,将带来艺术家近年来创作的以极端天气为素材的三部分作品:《干旱》、《冰冻》和《风暴》,以及艺术家新创作的关于天气历史的雕塑装置《天气之中:大气的战场》。 此次展览内容包括影像、雕塑、装置、文本和摄影等22组件作品,全方位地展示艺术家对气候问题的艺术探索。展览针对人为干预天气的地球工程学技术应对气候变化的理论和实践,对人类控制欲望与自然法规关系展开的哲学思辨,引发对应挑战,采取行动的思考。

  此次展览结合了国内外知名当代艺术家把“转媒体艺术”Transmedia ART这个概念融入在上海当代艺术馆新展中,龚明光馆长表示:“在这次展览中,以“聚场”之名,我们上海当代艺术馆将尝试拓宽人们一向以来对美术馆、艺术馆功能界限的既定想法,我们试图打开“白盒子”的概念,将剧场的形式和功能引进在艺术馆的场域里。本次展览突出的“转媒体”是一个对人类思维创造维度的研究,也是对艺术广度的实践性探索。这种探索激活我们的冲动与思索,打破固有传统艺术与当代艺术之间那种泾渭分明,其中,“德彪西遇上杜丽娘”是本次展览中引进的第一部“跨界+”的剧场、影像、音乐全新的融合之作,随着展览的进行,展览将会有一波接一波的“跨界+”的项目陆续推出,从而全方面打开艺术馆的大门,将不同种类的文化艺术引进上海当代艺术馆的能量场域,让不同种类的艺术文化形式相聚、汇萃在一起。

  在本次展览中,潘逸舟将呈现在不同时期、不同国家旅居时创作的作品,旨在传达艺术家在相近却又截然不同的社会、生活、文化维度间穿梭着而产生的困惑、碰撞、思考和启发。

  OCAT上海馆于4月16日起荣幸呈现本年度首档展览——“朋友圈+:文化馆线上艺术计划展”。本次展览由OCAT上海馆和线上艺术平台“文化馆”共同策划,将生产于社交媒介的艺术创作进行线下的延伸展示,对当前互联网环境下的艺术创作和技术应用、线上展示和线下再现等共生关系展开讨论。

  本次展览现场将以投影、录像、装置、人机互动、模拟日常生活情境等方式重新展示这些线上发布的作品,并在原有作品的基础上进行项目的延展与生长。通过展览,我们希望呈现给观众的不仅仅是“文化馆”项目从线上向线下的简单移植,更是以一种极为日常化的方式营造出与生活场景相关、拥有更多可能性的媒体艺术观看环境。

  Shanghai Project 上海种子于2016年9月启动,由李龙雨与汉斯•乌尔里希•奥布里斯特联合策划,第二章主要以展览的形式呈现,取名自同名纪录片“时间的种子”,将于2017年4月22日在上海喜玛拉雅美术馆开幕。响应该纪录片对即刻行动改善当前气候状况的呼吁,展览“时间的种子”试图通过融合艺术、文学(科幻)、科技、社会学、环境学、生物学、医学等学科,更好地理解当下紧迫的环境和社会问题,探索一种可持续的解决之道。

  宋冬的个人专题展览“不知天命”中,36选7。宋冬将整个展览视为一件“作品”,以“镜、影、言、觉、历、我、明”这七个字作为对自己五十年来的人生呈现再认识的七个平台;以“无界”的方式使用美术馆所有的空间,综合性地呈现其对以往创作生涯的反思以及正在进行的探索。

  此次展览是朱利安·奥培的首个中国个展,展览将覆盖复星艺术中心的两层展厅,展出超过50件作品。大部分作品由艺术家为此次展览特别创作,包括油画、雕像、马赛克、挂毯、壁画、LED与LCD影片。 朱利安·奥培的作品享誉全球,被大英博物馆、匹兹堡卡内基博物馆、纽约IVAM现代艺术馆、东京国立近代美术馆、伦敦国家肖像馆、伦敦泰特藏品委员会、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆等多家机构收藏。

  近年来,艺术家在玻璃艺术方面的研究侧重于将玻璃作为媒材,介入装置艺术的创作,对物质化的玻璃本身与非物质化的表情及语言有了更深入的思考。本次展览中的作品呈现了她近期的思考,即围绕线性玻璃在“动态”下与声音和光的对话,展开一系列大胆的尝试。

  于是我们即将看到的是一种改造块状玻璃后形成的苍茫之力,光线与随之摇晃、伸展:纤细而强烈的震颤,潜藏在柔美中的张狂,压制在精致之下的偏执,以及对光纯粹的凝练。郑闻卿不是以旧的铸造方式,塑出所谓的“新”,而是尝试了一种新的方式敲击玻璃的“旧”,让“光”以新的方式呈现出来。

  展览的参展艺术家来自世界各地,更聚焦在来自中国的新进艺术家,贯彻KAF推广中国当代艺术的理念。展览涵盖雕塑、装置、摄影作品、现场表演、录像和融合虚拟现实的作品。他们共同探讨华人及国际艺术家如何运用代用人物(surrogates)、替身(proxies)和化身(avatars)去延伸作为人类这概念。

  本次上海当代艺术博物馆psD所呈现的“可见×不可见:山中一宏设计展”, 是这位风格独具的日本设计师在中国举办的首次个展,共展出其设计生涯迄今最具代表性的14件作品,包括一件动态照明装置,以及一件专为本展设计的新作。

  山中一宏的跨学科创作实践挑战了产品设计、照明设计和纯艺术之间的界限,他认为:“那些不可见之物具有一种独特的价值。我关注物体周围的空间,而不是物体本身。于我而言,设计物体本身是无意义的,物体只是设计空间的工具。”

  2017年“建筑与城市空间研究”之首展由世界著名建筑师伊东丰雄(Toyo Ito )带来,同时本次展览也是伊东丰雄在全球范围内的首次回顾展。展览以建筑模型、影像资料、设计图纸等多样的方式,阐释伊东丰雄建筑设计事务所(Toyo Ito & Associates, Architects)重点项目的研究过程。

  “身体·媒体II”将先邀请PSA的工业建筑空间作为一个“冷身体”、一个现代性的片段参与展览。这个冷的身体将通过“热言语”和“热叙事”,让观众的身体如血液般在其体内移动循环,并测试空间、作品、观众能否“言行一致”。展览将以“身体”为线索,分为“被动的身体”、“移动中的身体”、“身体的时间”等篇章。从建筑、空间、城市规划等多重角度,再现“身体化的媒体”和“媒体化的身体”在面对当代问题时所表现出来的种种困顿。“身体·媒体II”延续了2007年“身体·媒体”展览的母题,这场于上海红坊雕塑艺术中心举办的展览是中国大陆最早的国际性互动媒体展览。展览发生在两个全封闭的黑匣子中,空间感被刻意地抽离,观众的身体化为时间中开启作品的钥匙。十年后,当我们再看“身体”和“媒体”,它们已然超越了当时的镜像或协作关系,而是互为替身后所产生的有趣的遂行性。

  此次展览涵盖了特瑞尔五十年来的艺术杰作,包括其代表性的灯光与空间装置和精选的摄影、版画作品。艺术家根据龙美术馆空间设计建造的全新场域特定作品也将在展览中重点呈现。1943 年,詹姆斯·特瑞尔出生于美国洛杉矶,被认为是“南加州光与空间运动”的先驱与代表艺术家。特瑞尔善于使用“光与空间”作为媒介,来表现与探索人们对于感知、感官刺激、空间转换的视觉与心理反应。他最早的光投影与光建筑作品能从看似非物质中唤起观众对物质的感知。

  “后感性”是中国当代艺术史上的重要艺术行动。展览将对“后感性”——这样一场对2000年后的中国当代艺术产生过重要影响的,当年众多青年艺术家曾活跃于其中的艺术行动及它所提出的问题,进行一次回溯。“后感性”是以1999年邱志杰和吴美纯策划的“异形与妄想”展览为起始的一场持续了10多年的中国本土实验艺术实践。此次展览分为作品和文献两个部分,将展出投身“后感性”的艺术家的创作,可以窥见他们以巨大热情投入的思考、讨论及行动。展览还邀请了近期活跃的、在创作理念和行动上与“后感性”艺术思考较为接近的一些年轻艺术家的作品参展,以呈现一个开放的和不断地被定义的“后感性”。

  本次展览将展出上海博物馆考古部在青龙镇发掘出土的瓷器、钱币和供奉品等文物,分为「东南巨镇」、「盛世佛光」、「丝路遗珍」三个板块,呈现研究人员自2010年至2016年的研究成果。

  此次展览星光熠熠、大师云集:从拿破仑时代的微绘珐琅怀表到维多利亚时代珠宝巨匠卡洛 • 朱利亚诺(Carlo Giuliano);从新艺术时期亨利·维维尔(Henri Vever),乔治·富凯(Georges Fouquet)、卢西安·法里兹(Lucien Falize)到沙皇御用工匠、传奇彩蛋缔造者法贝热(Faberge);从美国新艺术时期领军人物蒂凡尼家族第二代掌门人路易斯·康弗德·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)到约瑟夫·尚美(Joseph Chaumet)亲手打造的玑镂珐琅怀表,令人目不暇接。展品之中,还有一批极其稀有的早期百达翡丽(Patek Philippe)古董珐琅珠宝表,让人有机会一窥这个“蓝血贵族”最初的模样。

  本次展览从学术与科学,装置与雕塑,多媒体与行为的临界点上探索,十余件作品在灯、影、丝之间熠熠生辉,揭示出无限的时间洪流中耐人寻味的生命意向及禅思。“纱 砂 沙”三个同音不同意的“Sha”迭连呈现,既谐音以蚕丝为创作介质形成的纱之肌理,展览核心作品中的重要构成元素砂砾以及自然界蚕啄桑吐丝的沙沙声。

  本次展览也是艺术家胡柳在香格纳画廊的第一次个展。展览将展出艺术家从 2007年到2016年的铅笔绘画作品。胡柳一直以来坚持用铅笔进行创作,每件作品历时数月、消耗数以千计支铅笔完成。她试图建立另一种观看方式:黑色作为一种吸光色,与铅笔的石墨质地造成的折射相互作用,唯有通过游走,观众才能观察到藏匿于黑色背后的纹理经络。文艺复兴与宋代绘画在胡柳的思考脉络中留有印记,前者的透视法和后者可居、可游的观看方式在她的作品中被容纳并解构,通过铅笔,消解了维度,画面中迎面打来的黑浪似乎隐喻了“知其白而守其黑”的世界观。

  本次展览由周大为先生创立的Cc基金会协同英国里森画廊(Lisson Gallery)共同举办,艺术家将为观众带来两件代表作及一件专为本次展览度身定制的新作品。最会“讲故事的人”——瑞安·甘德将来到Cc基金会,为观众讲述他在中国的第一个故事。届时观众能够从展览现场、媒体资讯、公共教育等多方面深入了解瑞安·甘德的艺术世界,成为甘德在中国的首批“听众”。

  秦凤玲的作品触及了绘画的本质问题,她把颜色直接挤在画布上,巧妙塑造成她需要的各种立体形象,然后又在立体形象上画上她所需要的细节。她的“画”与“塑”同时并存,这使她的绘画具有双重性-----既是绘画,又似雕塑(浮雕),既非绘画,又非雕塑。她把生活内容和社会事件理解成图案形式,把宏观的社会形态和具体的生活内容解构成微观的元素,使其符号化和图案化。在秦凤玲看来,微观社会元素和生活元素具有自我复制、排序和重组的功能,而她的绘画过程也是其对微观社会、生活元素自我复制、再排序、重新组合的主观演绎过程。

  展览标题旨在艺术家对于人类行为共同特征的一种全景式描述。展览涵盖了小西纪行近三年的最新布面油画和纸上作品,最初的灵感源于他的童年照片。画面在重现家庭教化和社会习得的过程中,呈现出一种私人而普世的亲密感和依恋,将过往的关系和记忆召回。模糊的面孔作为作品的显著特征,消解着个体之间的表面区分,触及至人类深处的基本通性。画面里,一种统一的匿名性产生了。通过这样的视角,他将美学研究从个体叙述推演至族群观察的范畴。

  此次展览涵盖了数件装置作品与相关文本。展览“深紫”中的作品都分别从隐匿的深处透露着这种感知力。《零号机》和《深紫》利用金属架结构分别搭建出自我制冷和发热的装置,像是匍匐在展厅伺机攫取情感的无机体,冷的结霜与暖的光热如同它们的人造呼吸一般,游移在灵体和死物之间。随着城市发展所遍地普及的工业零件,同样被诗意地分离解读,建筑安全网在作品《黑曼巴》中就承担着抒情的媒介功能,成为与冷热装置同样暧昧的存在。

  乔空间正在展出何翔宇在上海的首次个展“乌龟、狮子和熊”。参展作品包括:综合视频装置《乌龟、狮子和熊》以及艺术家正在进行中的柠檬系列绘画等,前者是该作品在中国的首次呈现。乔空间此次展出的作品保持着何翔宇在创作实践中一贯的张力和实验性,他由感知出发,试图创造出能够干涉、影响观众反应的视觉装置,从而更为广泛地探索意识、自我和身份的概念。

  本次展览将展出艾域克﹒柏达的十余件作品,柏达于1972年生于法国巴黎,在新一代法国艺术家中备受瞩目。他擅长挪用、改造、转换现成物,把日常生活中人们习以为常、视而不见的物件从其功能性中抽离出来,它们被孤立、被拆解、被堆积或被重组,物件本身的概念被适度消解,在展览的语境下产生新的语言指涉和审美意义。

  此次展览艺术家从上海的二手家具市场收购几百件风格不一的家具,它们散发着时代审美和社会记忆的讯息,充满了人为“造化”的意味。这些人工“砾石”在艺术家手中洒落、碰撞、垒叠,最终构成一种怎样的同时具备时间和空间意味的地貌,可以想象这将是一次关于壮观的空间结构和丰富的细节构思的无法预判的尝试。

  新世纪当代艺术基金会将结合薛冰先生的收藏,在池社展出一系列国际知名当代艺术家的作品,推动国内外艺术文化的交流。年度首推沃尔夫冈•蒂尔曼斯(Wolfgang Tillmans)作品,希望带动国内对蒂尔曼斯及摄影艺术更多的关注和讨论。

  “控制点”是在艺术家在本该画廊的首次个展,此次展出的作品均来源于艺术家近期的绘画实践。艺术家通过画面中的色彩分隔破除不同情境之间的必要边界却又渲染出戏剧性的间离效果。破碎的人物剪影与野蛮生长的巨大植物或建筑废墟相互纠缠,叫人无法分辨艺术家究竟是在直觉地反映自己所处的生存环境,还是有意地带领观者逃离无所不在的日常秩序。

  “复 兴”是画家李珊举办的个人作品展览,集中呈现了艺术家近期及来自上世纪七十年代的创作,其中许多在过去颇为罕见或不曾展出。在上世纪七十年代的创作中,艺术家多锁定在庭院、宝塔等建筑题材上,而树木、花卉与景观是艺术家始终掌握的母题,而在最近新作中出现的场景多半来自于艺术家在世界各地的旅行,静谧的风光与城市灯火相对照。通过欣赏这些作品,我们将直观地体会到艺术家的心理现实。

  “雅各布·吉尔斯:斯堪的纳维亚新摄影”展出丹麦艺术家雅各布·吉尔斯两个系列的摄影作品:“移动Movement”和“你的爱有限Limit to you love”。“移动”系列是艺术家正在进行的项目,通过多重曝光地精确结合和移动错位,试图在标志性建筑的景观被碎片式的扭曲之后,邀请观众深入到图像的内在本质,体验发现的喜悦。“你的爱有限”则以被破坏的可产生触觉的表面,挑战了美丽女性的标志性的和永恒主题,并且以跨越情感世界的方式触及审美的新的可能。

  此次展览呈现18位中国、欧洲艺术家的拼贴作品。其中包含获得2014年威尼斯金狮奖的剧场艺术家杨·罗威斯(Jan Lauwers),丹麦最出色的艺术家之一塔尔·R(Tal R),以摄影-雕塑著名的韩国艺术家权五祥;还将首次呈现尹秀珍为蒙皮利埃双年展所做的大型装置作品《TVT-火箭》,徐累的重影拼贴,洪浩的日常消费品拼贴以及徐冰分别利用杂物和现成图像元素实践的装置与平面拼贴。

  “这不是⼀场展览”提示⼀个问题或现象,不提交⼀个答案。 对参与的艺术家,不归类:对项⽬的概念,去阐释⽂字, 不带第三者角度的交由你们直接观看,没有⼼理暗⽰地直⾯感受。此次项目带来场馆收藏的14位艺术家的作品。 你们看到了什麽?发现了什麽?解读了什麽?这⼀⽬光时刻,慢慢地发酵,慢慢地在⼼中滋长, 因此,这不是⼀场有限期、有界线的展览......

  纸以文化传播的重要载体在历史中出现,电子信息时代的来临弱化了其承载信息的功能,但纸张作为艺术创作媒介展现出丰富的特性,本次展览将展出艺术家陈兴业、牟雪、肖江、叶凌瀚、有机·奥诺黛拉的纸上作品,纸张在五位艺术家的创作中展现出独特的个性。

  卡乐吧(Color Bar)是一种测试彩条,即深夜电视上出现的检验测试彩条。艺术家从这一线索出发,用白、黄、蓝、绿、红、黑等不同颜色分隔空间,营造出五彩斑斓的另一世界。王建扬的在地创作涵盖了他不同系列的30多件作品,包括其幻想系列、漫画系列、水墨意象系列、工作室系列、宅系列等,以一场艺术嘉年华的形式,展示了他近几年来创作的集锦。居住/生活空间、裸体/姿态、生活物件/玩具,摄影/绘画,这些常见的创作元素都成为“物件”,被融入到不同的色彩区块中,甚至被喷成同一种颜色,成为一种色彩观感,让彼此产生一种对话的模式。经由他如此精心安排的作品环境,不但演绎了人类文化教养的轨迹,也不断探索生命的源起与其依归的场所。

  此次展览将呈现艺术家近期的全新创作,艺术家以平面绘画为主线,并通过空间装置、空间绘画,甚至利用空间的自身结构为媒介,与展览场域产生相互的关联、干涉与补足。艺术家以游戏般轻松的视觉语言打破现实的物界关系,颜色、线条、形状由画面空间拓展到现实空间。看似理性的图像符号,通过感性的情绪状态与心理秩序获取平衡;而借由有形的几何,阐述内心无形的不确定、矛盾与冲突,也成为了艺术家理解自身与环境的途径之一,亦是她作品中的全新变化。

  阿拉里奥画廊和BANK荣幸宣布将共同举办陈彧君的个展“故土不乡愁”。在此次难得的合作契机下,展览将分为两个部分,横跨这两个地处法租界的画廊,集中展出艺术家近年来的创作成果。阿拉里奥画廊展出“故土不乡愁”中源于“木兰溪”项目的一系列创作,包括纸上综合材料拼贴和装置作品。木兰溪是蜿蜒于艺术家的故乡、最终汇入海洋的一条“母亲河”。木兰溪对陈彧君而言,既是一个来自故乡的根的象征,也是对移居南洋的家族亲人的回忆;同时,河流亦象征着生命的无常,以及我们对难以保留随之流逝的情感与经历的无助。此次别开生面的展览延续了陈彧君对个人与社会历史、自然与人造空间之间亲密关系的持续兴趣。展览被分为“自然”和“建筑”两个相互依存的部分,灵感均来自艺术家的故乡福建莆田。

  本次《重写的平面》不仅探讨“重写”这个在过去痕迹上创造新记号的动作,更强调其自我更新的过程。展览带来八位中国艺术家的作品,以书写、重写和拭除等隐喻的方式,来展开各自的艺术语言。通过重写的语境,观者可以面对艺术家们在创作中所经历的沉思、反思与蜕变,以及在生活中不去预设任何终极性目标的态度。

  此次展览为李亭葳在中国国内的第一次个展,也是艺术家由2016年开始的一个持续项目。展览以数件影像,装置作品及相关文本,探究及思考当今资本社会中,人们面对无法逃避的消费主义和网络媒体信息,对身心舒畅及自我完善的追求。

  上海杜若云章画廊推荐的这三位川派艺术家,他们都是川派的中坚力量,但却风格迥异、各具特色,因而极具看点。同时,这次展览将以画廊与拍卖行的联合互动展览与拍卖的结合形式呈现。画廊展期结束后,上海泓盛拍卖当代艺术/油画雕塑专场的春季拍卖会将接力三位艺术家作品的预展及拍卖。